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摘要：本文通过对舒曼《第二钢琴协奏曲》和古典乐派几位代表人物作品的比较分析研究，从音乐史，作曲技术，感性理解等几方面看不同时期（主要是古典乐派与浪漫乐派时期）钢琴奏鸣曲演奏的特点和异同，主要不是从技术上切入，而是从多学科知识的研究学习所带来的音乐思想对在演奏中所取得的作用入手去探讨该课题的重要性。
关键词：奏鸣曲；多学科；演奏意识
钢琴的历史最早可以追溯到古希腊时代，到了欧洲的中世纪时期陆续出现了许多类似于近代钢琴的雏形，也就是今天我们所说的古钢琴，十七到十八世纪间钢琴在欧洲得到了充分的发展，逐渐地在当时的音乐生活中占据了重要的地位。明万历年间，意大利传教士利玛窦将这种古钢琴带到了中国，但是与西欧相反钢琴在当时的中国并没有得到很好的发展，到了十九世纪到二十世纪之交，由于北京，上海等大城市教会学校的兴办，出现了一些钢琴教学活动，这时，钢琴才真正在中国人民的音乐生活中有了一定的地位，得到了一定的发展。可以这样说，钢琴在西欧有着三百多年的历史，而在中国却至多只有百余年的历史，因此，说起对钢琴艺术的研究，我国还是要落后于西方国家的，尽管在近十几年来我国涌现出了一批优秀的钢琴家（比如说孔祥东、郎朗、李云迪）但是从钢琴音乐的整体实力上来说还存在着很大的差距，原因之一是因为在我们的演奏学习过程中很少在意对相关兄弟学科的借鉴学习，导致了学习的道路过于狭窄，在脑中不能形成一个完整的思想体系，当然很多人会说学习演奏的人只要精通演奏就可以了，没有必要把那么多的时间花在对理论知识的学习上，我个人认为这种认识是很不正确的，作为一个学习音乐的人，不论是学习演奏还是从事理论研究，都是一个了解和认识音乐的过程，而说到对音乐的认识是没有什么极限的，对于一个演奏者来说也是如此，只有更进一步地了解和认识音乐，在诠释音乐的时候才能更加多一份深沉，少一份盲目。所以我的这篇论文要讨论的就是要将音乐学、作曲等理论专业运用到演奏学习中并能让演奏学习更加全面、深入的，具体的一种学习思考方式。那就让我们从舒曼的这首第二钢琴奏鸣曲开始谈起。
舒曼是19世纪德奥体系音乐家中最具代表性的一位。他的文学修养深刻地影响着他一生的创作，他的钢琴音乐作品具有许多自传性质或个人日记式的篇章。钢琴音乐是他音乐创作中最重要的方面，是他内心生活的写照。舒曼的一生充满了精神上的冲突，理智与狂热始终处于斗争之中，他以激烈的心灵冲突，创作出了无数充满魅力的浪漫主义动人乐章。我要分析的这首《第二钢琴奏鸣曲》作于1833—1838年。其第一、三乐章作于1833年，第二、四乐章作于1835年，1838年对全曲改订而成，呈献给亨列德·菲克特夫人。这首奏鸣曲虽然没有《第一奏鸣曲》那么气势恢弘，也没有《第三奏鸣曲》那种艰深的技巧，但它却是舒曼这三首奏鸣曲中最著名也是最常被演奏的一首，舒曼是浪漫派作曲家，他的创作是从钢琴小品起步的，但一直没有停止对奏鸣曲写作的尝试。众所周知，奏鸣曲式中的主部和副部常用来表达两种极具冲突和矛盾的感情，这与舒曼性格中的两重性不谋而合，也许这也注定了舒曼在钢琴奏鸣曲这一音乐体裁的成就。但是，作为浪漫派作曲家他所作的钢琴奏鸣曲又与古典主义作曲家的奏鸣曲作品有着哪些的异同呢？
首先，就让我们先从交响乐之父——海顿的钢琴奏鸣曲说起吧。
海顿前期的奏鸣曲规模都不是很大，曲式结构还未发展完善，与洛可可风格有些许相近，不过那时他称这种钢琴奏鸣曲是《帕蒂塔》或是《嬉游曲》，他这个时期的钢琴作品织体较为简单，形式和内容上短小，简单。在这里就不多做介绍了，我要重点分析（由于篇幅关系，本文主要以分析乐曲的第一乐章为主）的是他创作的晚期阶段的钢琴奏鸣曲作品，以他在1791年创作的著名的《C大调钢琴奏鸣曲为例》，我们都知道，海顿一生的创作多受宫廷文化的影响，有很多的作品受贵族阶级音乐嗜好的制约，从某种意义上来说这也限制他的音乐创作深度，但是他在创作这首奏鸣曲时正在伦敦，这时，他的创作环境自由了很多，因为这时的伦敦是欧洲资本主义经济最发达的城市。（由于新兴资产阶级的存在，已经出现了一些新的生活方式，包括各种各样的公开音乐会。海顿在这种全然不同于奥地利的新环境中，可以不受任何约束地抒发自己的感情，去表达他所感受到的各种生活内容。——摘自《西方钢琴艺术史》）所以，在这首奏鸣曲中，海顿做了许多新颖的尝试，当时的钢琴已不再是音域窄小的古钢琴，而是音域加宽并且拥有延音踏板的近代钢琴，所以他在创作这首乐曲时，扩大了音域，而且在72小节处还使用了踏板标记。
他对这种新生音乐元素运用从很大程度上加强了他钢琴音乐的表现力。
从曲式上来讲，这首乐曲的第一乐章是真正的奏鸣曲式，呈示部的主副两个乐部和再现部的主副两部这四个乐部已经初步形成了先后呼应的四个支柱。这正是能体现出奏鸣曲这种庞大曲式所具有的深邃哲理性的最鲜明的标志。这时的钢琴奏鸣曲已经开始显现出它所蕴含的思想性。但是他在主题动机的展开上运用了自由变奏的方式，这一点不同于后来的莫扎特和贝多芬。
从和声上来说，这首乐曲的和声还是古典乐派非常传统的和声，调试的转换与变化很清晰，很简洁，各级和弦的个性鲜明，调性稳定。音响听起来给人带来一种清爽，明了的感觉。
下面我要分析的是音乐神童——莫扎特的钢琴奏鸣曲
莫扎特出生于音乐世家，幼年时便已显露出超凡的音乐才华，6岁起就以神童的身份在欧洲各国进行巡回演出，并通过这些旅行很直观的了解了欧洲各国的音乐同时让他在幼年时就有了不逊于别人一生的广阔音乐视野。
我选择了莫扎特的《a小调奏鸣曲》（kv.310）来分析
这首乐曲是在她母亲去世后不久创作的，乐曲充满了悲剧色彩，紧张，焦虑……因为莫扎特在西方音乐史上代表着一个晚于海顿的时代，所以较之海顿的创作，他是更开放，更先进的。
织体上，与海顿时代的奏鸣曲相比莫扎特的奏鸣曲在织体上形式要更加丰富，变化更多，织体就好像是排列组合一样，有很多种拼插的方法，而每多一种拼插方法就等于又多了一种音乐的表达方式，也就意味着音乐语言更加的丰富，又增加了几分描绘感情的未知的可能性。
曲式上，呈示部与再现部的主部与副部这四个乐部的结构更加稳定，个性更加鲜明，而且具有非常明确的调性回归。
总而言之，莫扎特在海顿的基础上进一步发展了奏鸣曲的曲式，从结构、形式上都有很大的发展，最重要的是他将呈示部的副部主题完整化、独立化。用连接部的材料引出副部主题，这对副部主题起到了强调的作用，这实际上是提高了副部主题在乐曲中的地位，加强了主副部主题之间的戏剧冲突和对比。
和声上，莫扎特充分地发展了古典乐派的传统和声，和声的运用更为坚定、果断，而且增加了不协和音响的运用（如和弦外音、装饰音），使效果更具感染力。
接下来要分析的内容是欧洲古典音乐巨匠贝多芬的钢琴奏鸣曲。
贝多芬是古典乐派中最伟大的音乐家，如果说巴赫站在了复调音乐之巅，那么毫无疑问站在主调音乐之巅的就是贝多芬了，坎坷的命运使他的音乐深沉且富有哲理，庄重而充满激情，他以超凡的世界观与人生观创造出了一个属于全人类的“音乐乌托邦”我就以他著名的《悲怆》奏鸣曲来分析他在钢琴奏鸣曲创作上的特点。
此曲是贝多芬早期钢琴奏鸣曲的顶峰之作，追求美好理想和幸福人生的雄伟诗篇。全曲充满着斗争的力量和热烈追求的激情。与海顿和莫扎特的音乐相比，崇尚法国大革命的贝多芬音乐和前者已不再属于同一个时代，这是从思想层面上来说的，从具体的作品上来说他们之间也存在着很多差异。
曲式上，以《悲怆》为例，这时奏鸣曲的曲式结构已经完全发展成熟，而且形式也变得丰富起来，比如说在曲式分析题中曾经给无数学生带来困扰的第一乐章的引子部分，很多初学曲式的学生都会把这段本不在奏鸣曲式结构中的音乐拿来分析一番，最后使得自己对此曲的曲式分析更加迷惑。
除此之外，这首曲子没有像其他很多奏鸣曲那样散乱、庞大的展开部，从这点可以看出贝多芬的创作思想已经渐渐走向了解放，形式与之前的作曲家相比也更加自由，另外在海顿时代已经有了回旋奏鸣曲式的雏形，但是真正很好地运用了这种庞大曲式的是贝多芬。（如他的第32首奏鸣曲）
从织体上来说，不管是海顿还是莫扎特都是不能和贝多芬相提并论的，贝多芬钢琴作品中织体的变化和复杂程度与前人相比是很直观的，甚至不用进行对作品的分析就可以一目了然。（单从视觉上就可以很直观地分辨它们的区别）
贝多芬在和声上的发展和进步也是非常让人叹服的，作为一个本科毕业生，在这方面我很难用明确的分析和准确的语言来阐述这一点，但是在分析过一些贝多芬钢琴奏鸣曲的和声之后，我有这样一种感受，那就是他的和声语言是富有鲜明个性的，其所要表现的内容和感情是非常明确的，但同时他的作品又富于调性变化，再加之和声中具有强烈的戏剧性对比，使他的音乐内容丰富，个性鲜明，充满激情。这正与他一生的坎坷经历与坚强性格不谋而合。
还有一点就是说到贝多芬的音乐就不得不提到他的交响乐，在音乐史上他对配器的贡献是不可磨灭的，他在配器手法就像是寒武纪生物大爆炸一样发生了突飞猛进的变化，将先前的配齐方式远远甩在了身后，为了丰富配器法他甚至介入了很多乐器的研究和制造工作。（如巴松管、低音提琴）同理，他的钢琴作品也有着前所未有音响效果。所以他的钢琴奏鸣曲中感情记号的数量很大，有些作品甚至比一些后来浪漫派作曲家作品中的还要多！（包括跳音、顿音、延长音、连音等记号）
以上，我已将维也纳古典乐派最具代表性的作曲家及其所作的钢琴奏鸣曲做了分析和介绍。最后我们来看舒曼《第二钢琴奏鸣曲》与以上提到的几位作曲家的作品有什么异同，继承了哪些？有发展了哪些？
这首奏鸣曲第一乐章的曲式结构是很典型的奏鸣曲式，但是在主题动机的发展上却与海顿比较相似，都是运用了自由变奏的方法，但从思想上来讲并不是说他的思想性又回归了海顿时代，而是他在思想上又进入了一个新的、更深层次的轮回。这与很多事物都很相似，比如说历史、哲学，自然科学。
和声上经过了贝多芬的充分发展，1——4——5级的倾向性变得更加模糊，多用延迟解决，同时代的作曲家肖邦也有这种特点（如下图）这样使很多更为激烈和纠结的感情能得到了更生动的表现。
（我们可以看到和声一直在2级与五级徘徊，但是它并没有转到属调而是一直没有将属和弦解决以达到乐曲所需要的效果）
织体上比贝多芬更为多变、自由，大有一种我们中国古人的思想境界——人到七十则从心所欲，不逾矩。一切看似无矩，但又都不离矩。
很多人认为舒曼的钢琴奏鸣曲从古典奏鸣曲的要求来看缺乏理性，因为根据古典奏鸣曲的原则，“感情中的矛盾冲突是需要用理性的逻辑力量加以控制的。舒曼正缺乏这方面的理性力量。”（摘自《世界音乐之旅》）然而，对于许多钢琴演奏家来说，这也许正是他们喜欢舒曼的原因吧！
结语
现在，我们已经将舒曼的《第二钢琴奏鸣曲》和古典乐派几位作曲家的钢琴奏鸣曲做了比较、分析，用纵向的方式来看，舒曼钢琴作品的创作思想和风格特点不是偶然形成的，而是在一代代作曲家不断地继承与创造中一步一步发展而来的。虽然他们逐渐地向更复杂、艰深，具体，生动的坐标进发。但这并不意味着浪漫派作品就要比古典作品难演奏。因为每一个作曲家都是一个活生生的人，都有着不同于他人的经历和生活方式，自然都有着与众不同的人生气息。有人说演奏古典乐派的作品应该注意什么，演奏浪漫派作品应该突出什么，这些都是很好的经验和理论，但是我认为追究到更深层次应该是对整个作品的整体感知，这就好比是原子弹的内核，只有这个内核才是一切能量的源泉，而我在前文所叙述的正是这个内核的“种子”。上文中提到的只是培育好这颗“种子”所需养分中的很小的一部分，所以，作为一个演奏者，我们需要付出的努力与辛劳还有很多。
当你演奏海顿的奏鸣曲时，一种平淡、自然的高贵应该走进你的心，在这种心态的引导下，再让这种气息渗透到每一个指尖，之后剩下的就是放松和投入的演奏，这时，不论是音色气息还是力量和速度，都会变得顺理成章，一挥而就。
当你演奏莫扎特的奏鸣曲时，也许我们不能像他那样才华横溢地在琴键上挥洒自如，但是我们一定要让我们的双手充满激情与自信地在琴键上尽情地挥舞，而有一点我们千万不能忘记，那就是在演奏当中那份对音乐的钟爱和专注。
当你演奏贝多芬的奏鸣曲时，我们要怀着一份对英雄的崇敬或是惋惜走上舞台，因为我们即将开始的演奏要求我们要复制一次英雄的生命，我们要与英雄同呼吸，共奋战，享受那种悲壮中孕育出的希望，做到全情投入的演奏，体验高处不胜寒的孤独，和犹如神一样高尚的情操！
当你演奏舒曼的奏鸣曲时，充实你大脑的有凌乱，狂躁，伤感，悲愤，无奈美好等诸多的感情因素，不间断地演奏，强烈的对比，最后精疲力竭地结束。
所以对于我们这些学习钢琴演奏的学生来说，一定要辛勤地培育我们这颗充满着无限音乐感染力的“种子”，让它尽可能地绽放出它最灿烂的光辉！
参考文献
[1]于润洋.西方音乐通史[M].上海：上海音乐出版社，2003，7.
[2]久石让.感动如此创造[M].台湾师范大学出版社，2008，5.
[3]周薇.西方钢琴艺术史[M].上海音乐出版社，2003，2.
[4]俞人豪.音乐学概论[M].中央音乐出版社，1997，3.
[5]宋瑾.音乐美学基础[M].上海音乐出版社，2008，8.
[6]露茜·史兰倩西卡.指尖下的音乐[M].广西师范大学出版社，2008，6.后台-系统设置-扩展变量-手机广告位-内容正文底部 -
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由舒曼第二钢琴奏鸣曲的创作思想看古典乐派与浪漫乐派钢琴奏鸣曲演奏的异同论文
人参与 2024-09-19 10:58:47 分类 : 教育论文 点这评论 作者：团论文网 来源：https://www.tuanlunwen.com/
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